L'agora des arts

Ni Dieu ni maître ! Arts et anarchie de Courbet à Banksy

cath — 2026-10-17T17:24:59Z

Du 10 octobre au 24 janvier 2027
La Piscine
23, rue de l'Espérance – 59100 Roubaix
Du mardi au jeudi, 11h-18h
Nocturne jusqu'à 20h le vendredi
Samedi et dimanche, 13h-18h
Tarifs : 11€/9€/7€
www.roubaix-lapiscine.com

– Co-produite avec le musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Besançon qui l'accueillera du 27 février au 4 juillet 2027, l'exposition sera ensuite présentée au musée Ziem à Martigues du 18 septembre 2027 au 31 janvier 2028.

– À voir aussi à la Piscine : « Révolution denim » : une histoire du jean, ce tissu indigo devenu incontournable ». Du 10 octobre au 14 février 2027.

– Sous la direction de Adèle Taillefait, le catalogue « Ni Dieu Ni Maître - Arts et Anarchie » se présente comme un abécédaire avec 74 entrées thématiques ou monographiques. Octopus, 39€.

Visuels :

– Félix Vallotton, L'Anarchiste, 1892. Bois gravé, encre sur papier vélin, tirage posthume de 1930. 25,3 x 34,2 cm. © Roubaix, La Piscine.

– Paul Signac, Le Démolisseur, 1897-1899. Huile sur toile, 255 x 154 cm. Paris musée d'Orsay. Photo L'Agora des Arts.

– Maximilien Luce, Almanach de la Révolution, 1903. Brochure imprimée. 18,5 x 14 cm. Collection Michel Dixmier.

– Frantisek Kupka, Ouvrier enchaîné, gravure pour Les Temps Nouveaux (n°32, 8 décembre 1906). Vers 1905-1906, lithographie. Collection particulière. Photo L'Agora des Arts.

– Maximilien Luce, L'Échafaudage ou Le Drapeau rouge, 1910. Huile sur papier marouflé. E8,5 x 63,4 cm. © Roubaix, La Piscine. Photo L'Agora des Arts.

– Peter Pontiac (illustration), Guy Colwell (couleurs), Couverture de Anarchy Comics, n°3, 2014. Bande dessinée, éd. Stara, Mulhouse. H. 24 ; L. 17 cm. Marseille, Centre international de recherches sur l'anarchisme © Peter Pontiac, Adagp, Paris, 2026.

Terre aux mille cheminées, façonnée par l'industrie textile et les luttes ouvrières, Roubaix labellisée « Ville d'art et d'Histoire » était tout à fait appropriée pour accueillir une exposition sur les liens entre l'histoire de l'anarchie et les arts. À fortiori à La Piscine splendide bâtiment de style Art déco inauguré en 1932 comme piscine municipale, avant d'être transformé en musée d'art et d'industrie, en 2001.
C'était un défi aussi. Car si l'anarchie est basée sur le refus du pouvoir et de l'autorité, le « ni Dieu, ni Maître » selon Auguste Blanqui l'un des principaux inspirateurs de la Commune de Paris qui en fit le titre de son journal, c'est une pensée multiforme. Toutefois, par la place qu'elles réservent à la liberté individuelle, les idées anarchistes ont séduit, dès leur émergence dans les années 1840, nombre d'artistes.

En peinture, affiches, brochures, musiques…

À travers plus d'un siècle et demi de création, l'exposition raconte en tableaux, mais surtout en lithographies, affiches, revues, photographies, films…une histoire de l'anarchie et ses liens avec les arts. Elle ouvre sur l'influence de la Révolution industrielle dans l'émergence de la pensée anarchiste avec des œuvres de Jules Adler, Ferdinand-Joseph Gueldry, Aristide Delannoy ou Maximilien Luce prenant pour sujet les aciéries, les terrils, le triage de la laine ou la construction dans une vision sombre du progrès qui broie le prolétariat.
Référence incontournable de la pensée anarchiste, la Commune imprègne la culture visuelle libertaire comme l'illustre Luce, profondément marqué par ces événements, puis Eugène Delacroix et Théophile Alexandre Steilen. On le découvre aussi dans les photographies et textes des penseurs de l'anarchisme : Proudhon, Bakounine, Louise Michel, Elisée Reclus…Leurs idées se diffusent dans les journaux, les brochures, les feuilles de chou, et des revues comme Les Temps Nouveaux, publication fondée en 1895 par Jean Grave ou Le Cri du Peuple dans lequel écrit la journaliste libertaire Séverine. Une propagande par l'écrit et par l'image dont des artistes tels Gustave Courbet, Félix Valloton, Camille Pissarro, Paul Signac, Frantisek Kupka prêtent leur talent.

Les idées libertaires infusent aussi le milieu du théâtre d'avant-garde à la fin du XIX^e siècle. Des auteurs comme Octave Mirbeau, Lucien Descaves Victor Barrucand ou Nelly Roussel sont marqués par cette pensée.
L'anarchisme n'est pas que littérature, art et fleurs au fusil, entre 1892 et 1894, après une première bombe posée par Ravachol, une vague d'attentats secoue l'opinion publique en France. En réaction, la presse et les milieux intellectuels et artistiques libertaires sont aussi condamnés comme complices. Le critique Félix Fénéon et le peintre Maximilien Luce sont emprisonnés. Pissarro et Steinlen « s'exilent » en Belgique.

Une bombe dans la peinture

Dans Au temps de l'anarchie (1895) (rebaptisé Au temps d'harmonie), puis dans son monumental Démolisseur (1899), Signac signe deux toiles qui témoignent de manière assez explicite de ses convictions libertaires. Les œuvres de Luce et de Steinlen sont toutes aussi engagées, tels ces trois ouvriers de Luce qui hèlent leurs camarades au sommet d'un échafaudage, vu symboliquement comme un lieu d'élévation possible du peuple (L'Echafaudage ou Le Drapeau rouge, 1910). La toile est acquise par Signac.
À Paris, au Salon d'Automne de 1905, les futurs « Fauves » créent le scandale avec des toiles aux violents tons crus. Maurice de Vlaminck, anarchiste et collaborateur du Libertaire, y voit un « art anarchiste », une bombe dans la peinture. Mais couleurs pures n'impliquent pas engagement politique et tous les fauves ne défendent pas les mêmes idées.

Si la pensée anarchiste n'a pas totalement disparu après le premier conflit mondial et la guerre de 1936 en Espagne, il faut attendre Mai 68 pour voir la résurgence d'une culture libertaire. En chansons avec Georges Brassens et Léo Ferré par exemple, en sculptures avec les « anti-machines » de Jean Tinguely, et surtout en affiches et posters. En 1970, le mouvement punk s'en revendique, faisant fleurir ce A majuscule cerclé, symbole d'un anarchisme qui critique surtout l'autorité. Le souffle libertaire va aussi s'emparer de la bande dessinée avec des artistes comme Tardi, auteur de nombreux albums sur les deux guerres mondiales, et anarchiste attaché à sa liberté d'expression. Puis du Street art avec en tête d'affiche Banksy et son célèbre rat anarchiste. Un art provocateur, aujourd'hui pris au piège du marché de l'art.

Catherine Rigollet

Orléans, la renaissance du MBA

cath — 2026-10-16T16:03:08Z

Place Sainte-Croix - Orléans (Loiret)
Ouvert du mardi au samedi de 10h à 18h, le jeudi jusqu'à 20h et le dimanche de 13h à 18h.
Fermé les 1^er et 11 novembre, le 25 décembre, le 1^er janvier, les 1^er et 8 mai, le 14 juillet.
Plein tarif : 8 €
Tél. 02 38 79 21 83
https://museesorleans.fr/collections/

Visuels :

– Musée des beaux-arts d'Orléans © Emma Mouton, Musées d'Orléans.

– Diego Velasquez, Saint Thomas, 1619-1620. © Musées d'Orléans.

– Guido Reni, David tenant la tête de Goliath, 1600-1624. © Musées d'Orléans.

– Léon Cogniet, Les Drapeaux, 1830. © Musées d'Orléans.

– Jean-Baptiste Larrivé (Lyon, 1875 – Lyon, 1928), Jeanne d'Arc en prière, vers 1915, bronze à patine argentée et dorée, colonne en marbre.

– Salle Richelieu. © Musées d'Orléans.

– Martial Raysse, ReLeBainTurc, 2013, diptyque en néon de onze mètres de long réalisé d'après le chef-d'œuvre de Jean-Auguste-Dominique Ingres.

À l'image de la ville qui l'abrite, le Musée des Beaux-Arts d'Orléans (MBA) sort ces temps-ci d'une torpeur de plusieurs décennies. Comme si l'ombre de la cathédrale Sainte-Croix toute proche avait recouvert d'un voile paralysant le bâtiment sobre et sans aspérité du musée, pourtant de conception très moderne lors de son ouverture en 1984 et disposant tout de même de 10 000 m² (ce qui en fait un des plus grands musées français par la superficie). Le MBA est aussi l'héritier lointain d'un premier « museum » ouvert au public en 1799 et du fructueux appel aux dons organisé par le comte de Bizemont, directeur du premier véritable musée ouvert fin 1825.
Depuis sa prise de fonction fin 2015, la directrice des musées d'Orléans Olivia Voisin a décidé de « réécrire l'histoire du musée et de donner du sens à la collection. » En cet automne 2026, nous arrivons au terme d'un impressionnant redéploiement des collections qui aura duré dix ans, la directrice soulignant avec force et conviction qu'« une collection publique n'a rien à faire en réserve ! » Les chiffres parlent d'eux-mêmes : 1300 œuvres sont désormais visibles dans plus d'une quarantaine de salles (sur quatre niveaux) du XV^e siècle à l'époque moderne et contemporaine (*).

Wanted !

Pourtant, pour Olivia Voisin et son équipe, la quête, ou plutôt la « chasse aux trésors », continue avec le lancement cet été d'une campagne remarquée d'appel à témoins, baptisée « Wanted » (sur le mode des affiches des bandits du Far West), pour retrouver les 424 tableaux volés ou disparus lors du pillage des musées orléanais au cours de l'invasion allemande de 1940 avant l'incendie de certains d'entre eux. Dans le catalogue qui recense ces œuvres, fruit d'un travail de récolement de près de trois ans, on remarque les noms de Raphaël, Pieter Brueghel le Jeune, Canaletto, Chardin ou Boudin... Ces deux dernières années, quatre œuvres ont déjà été restituées, souvent à l'issue de parcours rocambolesques ! D'ailleurs au fil des salles et des escaliers du musée, le visiteur tombe sur des reproductions à l'échelle de ces tableaux absents qui soulignent un peu plus la richesse du passé et des collections du MBA. Et peut-être qu'un jour un visiteur se dira que tel tableau lui rappelle quelque chose...

Richesse d'informations, variété des parcours

L'histoire des œuvres, de leur conception à leur entrée dans les collections, est tellement essentielle aux yeux de la nouvelle directrice qu'elle a opté pour des cartels particulièrement développés (de 1600 à 1800 signes typographiques) souvent posés au sol sur un pan incliné sous l'œuvre qu'ils documentent. Associés à un accrochage assez dense, ces copieux cartels laissent imaginer un temps de visite de plusieurs heures…Le sachant à l'avance, il est possible d'opter soit pour une visite dans la continuité ne s'arrêtant que pour détailler les œuvres « attrapant l'œil », soit pour quelques visites thématiques, nombreuses eu égard à la richesse des collections.
On peut vous proposer un parcours des chefs-d'œuvre (d'Alexandre Antigna à Velasquez en passant par Cogniet, Courbet, Gauguin ou Guido Reni), un parcours de tableaux d'histoire, un autre de sculptures, un de paysages, un de portraits, un parcours de l'époque romantique (le MBA est particulièrement bien doté en œuvres de cette période), un parcours autour de Jeanne d'Arc (ne pas oublier que nous sommes à Orléans !) ou un parcours moderne et contemporain (Arroyo, Cueco, Debré, Hantaï, Monory, Raysse, Zao Wou-Ki…), les salles concernant ces dernières périodes n'ayant été rouvertes dans leur nouvel accrochage qu'en juin dernier… Une application mobile permet de choisir sur place son parcours parmi les nombreuses thématiques. Un musée vivant dans une ville qui s'ébroue et cache d'autres trésors, au cœur d'une région d'art et d'histoire, tout nous incite à passer de très enrichissants séjours à Orléans !

Jean-Michel Masqué

(*) Le MBA compte au total 2200 peintures, 700 sculptures, 13 000 dessins, 200 pastels, 40 000 estampes et 1500 photographies.

Miró. Protestation

cath — 2026-10-12T11:57:11Z

Du 3 octobre 2026 au 7 mars 2027
Les Abattoirs Musée-FRAC Occitanie Toulouse
76, Allées Charles de Fitte (Toulouse, Haute-Garonne)
Du mercredi au vendredi de 12h à 18h, le samedi et le dimanche de 10h à 18h
Plein tarif : 12 €
Tel. 05 62 48 58 00
www.lesabattoirs.org

Visuels :

– Joan Miró, Peinture, 1927, huile sur toile, 96,5 x 128,5 cm, inv. : SIGROPAM 15113, Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo, INBAL - Secretaría de Cultura © Successió Miró / Adagp, Paris, 2026 ; photo : DR

– Joan Miró, Ubu roi, 1966, lithographie originale en couleur sur papier Vitela Arches, 46,5 x 68,5 cm, inv. : EBM 303, Es Baluard Museu d'Art Contemporani de Palma, Govern de les Illes Balears collection long-term loan. Provenance : Pere A. Serra collection © Successió Miró /Adagp, Paris, 2026 ; photo : DR

– Pere Portabella, Miró l'altre, 1969, film, couleur, son, 15 minutes, courtesy Estate of Pere Portabella © Estate of Pere Portabella / Films 59

– Joan Miró, Sobreteixim 4, 1972, laine, fil, acrylique, tube en carton et collage sur suspension murale brodée par Josep Royo, 195 x 147 x 25 cm, inv. : T16JM 0063, Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea, Porto. Dépôt de la collection d'art contemporain de l'État portugais © Successió Miró / Adagp, Paris, 2026 ; photo : DR

– Joan Miró, Merma, 1977, 8 éléments : coiffe, pieds, mains et pantalon, techniques mixtes, dimensions variables, inv. : FJM 12830-12840, Fundació Joan Miró, Barcelone © Successió Miró /Adagp, Paris, 2026 ; photo : DR

– Joan Miró, Josep Royo, Tapís de Tarragona, 1970, tapisserie d'Aubusson, jute, coton, chanvre et laine, 285 x 402 cm, inv. : NIG 4044, Museu d'Art Modern de la Diputació de Tarragona, Tarragone © Successió Miró / Adagp, Paris, 2026 / Courtesy Josep Royo ; photo : Diputació de Tarragona, Arxiu Fotogràfic MAMT / Lila Alberich

L'artiste catalan aux multiples facettes Joan Miró (1893-1983) n'avait pas fait l'objet d'une grande exposition à Toulouse depuis 1987 ! Des lustres pour une ville dont on connaît les attaches particulières avec l'Espagne, la Catalogne en particulier. Alors qu'une rétrospective de l'artiste a commencé fin juin à Perpignan (*) sur la période qui va de son installation définitive à Palma de Majorque (aujourd'hui jumelée avec Perpignan et où se trouve la Fondation Pilar et Joan Miró) en 1956 à son décès en 1983, les Abattoirs, haut lieu toulousain de l'art moderne et contemporain, a trouvé un angle original pour montrer Miró, apporter « un regard plus contemporain sur son travail », estime la directrice Lauriane Gricourt. Elle a confié le co-commissariat de cette exposition, « Joan Miró. Protestation », au critique d'art, professeur et curateur indépendant Carles Guerra, lui-même d'origine catalane qui s'avoue d'ailleurs plutôt lassé du vedettariat exacerbé et des clichés variés que subit le célèbre Catalan depuis sa mort et que supporte tout compatriote quelque peu féru d'art…

Le sens de cette exposition part d'un assaut surréaliste en règle, qui se matérialisa justement par un tract intitulé Protestation, mené par les intransigeants, sinon sectaires, Aragon et Breton en 1926 contre Ernst et Miró, coupables aux yeux des dépositaires de la « pureté surréaliste » d'avoir « vendu » leur talent aux Ballets russes de Diaghilev pour les décors et costumes du ballet Roméo et Juliette ! Ce qui ne les exclut pas pour autant de la mouvance surréaliste qu'ils continuèrent à fréquenter encore des années. Cependant, cela pique suffisamment le placide Miró pour qu'il retourne la charge et commence à protester à sa façon, plutôt souterraine, contre les drames du siècle (qui dureront en Espagne de 1936 à 1975) et les traditions artistiques. Dans un entretien avec l'éditeur Tériade publié en avril 1930, Miró indique même son souhait de vouloir « assassiner la peinture ». Ce sont ces différentes tentatives d'assassinat, de protestations en tables rases autant politiques qu'artistiques, que dévoile l'exposition toulousaine. Elle nous invite à voir sous un nouveau jour, à travers des pièces rarement montrées, l'œuvre de Miró qu'il nous faudra désormais considérer aussi comme un rebelle.

L'art malmené, la dictature en filigrane

L'artiste, qui a déjà exploré plusieurs veines plastiques depuis ses débuts, malmène pendant une dizaine d'années ses créations en superposant, par exemple, sur des toiles brutes non enduites ou sur des plaques d'isorel un assemblage de peinture, de sable, de goudron ou de papier de verre. Il invente aussi quelques « objets-peintures ». Fuyant l'Espagne en guerre en 1937, Miró se décale encore en revenant travailler à la Grande Chaumière, académie qu'il avait déjà fréquenté dans les années vingt. Il y réalise une série d'une centaine de dessins de nus féminins, dont cinquante-quatre sont accrochés ici, au tracé épuré et à l'aspect difforme, des corps contorsionnés qui semblent souffrir ou protester… Deux séries de gravures, exceptionnellement présentées à Toulouse, Noire et rouge (1938) et Barcelone (1939-1944), attaquent par la caricature l'ignominie du régime dictatorial franquiste dans un chaos qui mêle figures grotesques et motifs de l'univers de Miró (étoile, oiseau, lune).

Des années soixante aux années quatre-vingt, par des séries de grands formats à l'abstraction apparemment détachée du réel, Miró se fait peintre d'histoire. « Caractérisées par un certain dépouillement, l'emploi de traits vifs et de formes colorées, les toiles réunies ici échappent à toute représentation classique d'un événement historique. Elles sont pourtant le reflet d'un traumatisme, un silence éloquent de la peinture face au drame qui se joue », estime Carles Guerra. Ces grands formats dialoguent avec trois magnifiques toiles Sans titre (triptyque à l'acrylique et au charbon) de 1973-1974, trois sortes de paysages à l'astre noir, le crépuscule du Caudillo…

À la même époque, Miró poursuit la profanation de sa peinture avec ses « Toiles brûlées » (une des cinq existantes est exposée) dont le processus de création-destruction est filmé pour un documentaire que l'on peut voir à proximité de la toile. L'artiste qui approche de ses quatre-vingts ans ne cesse d'expérimenter. Sa rencontre puis sa collaboration avec l'artisan tapissier Josep Royo (1945) marque un nouvel élan vers un art textile de toute beauté et de grande ampleur. L'exposition toulousaine peut se targuer de montrer sa première tapisserie (Tapis de Tarragona de 1970) et sa dernière (1980) pour la Fondation Maeght. Enfin un dernier ensemble nous ramène à la fantaisie et au théâtre, un univers toujours cher à Miró, à travers le Ubu de Jarry qui l'a toujours fasciné pour sa charge hénaurme contre les dérives et les délires du pouvoir. Ses planches en couleur pour Ubu roi , Ubu aux Baléares (!) et L'Enfance d'Ubu sont ici accrochées. Miró s'est inspiré d'ailleurs d'Ubu pour créer les fantastiques et démesurés personnages de la pièce Mori el Merma (« Mort au tyran ») créée par la troupe de théâtre de rue La Claca en 1978. Clou de l'exposition, six de ces personnages nous laissent, dans la nef des Abattoirs, entre le rire et l'inquiétude. Jusqu'au bout, Miró a utilisé tous les moyens à sa portée pour exprimer sa poésie, sa fantaisie et sa révolte.

Jean-Michel Masqué

(*) jusqu'au 31 décembre 2026 au musée Hyacinthe-Rigaud (www.musee-rigaud.fr).

Gustave Fayet, collectionneur, créateur et entrepreneur

cath — 2026-10-08T15:23:13Z

Fondation Vuitton,
Jusqu'au 8 mars 2027.
Gustave Fayet (1865-1925) fut un collectionneur passionné, un acteur essentiel de la modernité. Cette superbe et inédite rétrospective dévoile plus de 250 œuvres de son immense collection aujourd'hui dispersée, tout en racontant la vie et les multiples facettes de ce créateur-entrepreneur dans les arts décoratifs, au travers de 374 de ses œuvres. Une belle révélation.

Gustave Fayet, collectionneur des icônes de l'art moderne

cath — 2026-10-08T15:06:48Z

Du 9 octobre au 8 mars 2027
Commissaire générale Sylvie Patry
Fondation Louis Vuitton
8, avenue du Mahatma Gandhi - Bois de Boulogne 75116
Tous les jours, sauf mardi 11h-20h
Samedi et dimanche 10h-20h
(tous les jours durant les vacances scolaires)
Tarif plein : 18€
www.fondationlouisvuitton.fr

Visuels :

– Odilon Redon, Le Char d'Apollon, 1905. Huile sur bois. Acheté à une date inconnue. Neuss, Clemens Sels Museum Neuss. Resté en la possession de G. Fayet toute sa vie.
Photo L'Agora des Arts

– Vincent van Gogh, Autoportrait à l'oreille bandée et à la pipe, janvier 1889. Huile sur toile. Collection particulière. Acheté le 21 mars 1902. Resté en la possession de G. Fayet toute sa vie. Photo L'Agora des Arts

– Paul Gauguin, Le Christ jaune, 1889. Huile sur toile, 92,07 x 73,34 cm ; Collection Buffalo AKG Art Museum. Acheté par G. Fayet en mai 1904, resté en sa possession toute sa vie.
Photo L'Agora des Arts

– Paul Cézanne, Le grand pin, 1887-1889. Huile sur toile, 85,5 x 92,5 cm. Sao-Paulo, Museu de Arte. Acquis par G. Fayet le 21 février 1901 auprès d'Ambroise Vollard. Vendu par G. Fayet le 27 mai 1910 à Charles Pascquement par l'intermédiaire d'Eugène Druet. Photo L'Agora des Arts

– Gustave Fayet, Autoportrait, 1901. Gouache sur papier, 73 x 50 cm. Collection particulière.

– Gustave Fayet, Les Arbres rouges, 1900-1901. Huile sur toile. Collection particulière. Photo L'Agora des Arts

– Gustave Fayet, Louis Paul, Vases, 1896-1904. Grès émaillé. Collection particulière. Photo : © Fondation Louis Vuitton / Nicolas Matheus

– Le salon de la famille Fayet au 51 rue Bellechasse, Paris. Photographie d'Eugène Druet, 1906. Archives Fayet. Photo dans l'expo.

– Vue de l'exposition, objets et décor à l'abbaye de Fontfroide. Photo L'Agora des Arts

À l'instar de Sergueï Chtchoukine, des frères Mikhaïl et Ivan Morozov, de Samuel Courtault…Gustave Fayet (1865-1925) est un collectionneur passionné, un mécène qui soutient les artistes, un acteur essentiel de la modernité à la Belle Époque pour qui collectionner et créer sont intimement liés. Outre des pièces maîtresses de sa collection, cette superbe exposition à la fondation Vuitton nous fait découvrir un homme dont l'art irrigue tous les aspects de sa vie. Non seulement il peint à l'huile et à l'aquarelle dans une veine postimpressionniste avec un penchant pour les paysages du Sud et pour les motifs floraux, mais il s'adonne à la céramique, crée un atelier avec le sculpteur Louis Paul et fonde une manufacture de tapis, l'Atelier de la Dauphine, qui reçoit les commandes de figures aussi influentes que Jacques Doucet ou Jeanne Lanvin.

Le collectionneur

Né dans une famille aisée de propriétaires viticoles et négociants de Béziers, Gustave Fayet grandit dans un milieu cultivé où il s'éveille très tôt à l'art. À 20 ans, il fait l'acquisition de sa première œuvre, La promenade dans le parc, d'Adolphe Monticelli, artiste admiré par son père et son oncle, peintres amateurs eux-aussi. C'est d'abord l'impressionnisme qui attire le collectionneur en herbe. Il fréquente les galeries, les salles de vente, forme son œil. Puis face à la hausse des prix, il se tourne vers les artistes de sa génération, les néo-impressionnistes, les nabis, puis les fauves.
En moins d'une décennie, de 1899 à 1908, il constitue une collection de plus de 750 œuvres majeures d'art moderne (hors estampes). On ne compte pas moins de 128 Odilon Redon dont il est un fervent amateur, disant de lui : « Il fit éclore en moi la notion de spirituel. » Mais aussi près de 200 Gauguin dont Le Christ jaune acquis en 1904 est la pièce maîtresse. Le parcourt de l'exposition met aussi en évidence son admiration pour Van Gogh. Il en achète 16, privilégiant les œuvres peintes en Provence entre 1888 et 1890 dont le célébrissime Autoportrait à l'oreille bandée et à la pipe, jamais exposé en France depuis 1937 et qui trône dans une salle dédiée, dans une grande alcôve vitrée telle la Joconde. À ceux-là s'ajoutent : 11 Cézanne (dont le sublime Grand pin), 40 Bonnard, 26 Matisse. Et encore des Degas, Toulouse-Lautrec, Renoir, Morisot, Marquet, Van Dongen. Il les expose dans son appartement parisien du 51 rue Bellechasse et dans ses différentes demeures, souvent à touche-touche sur les murs.
Pour Fayet : « ce n'est pas posséder qui fait le bonheur, c'est acquérir ». Il procède à de nombreux échanges, se lasse parfois très vite de certaines acquisitions, comme lorsqu'il achète onze Matisse de jeunesse à la galerie Druet en 1906, avant de s'en séparer quelques mois après. La démarche était-elle spéculative, les œuvres d'insuffisantes qualité à ses yeux…Il revend aussi des tableaux pour financer d'autres acquisitions, comme le château d'Igny dans la vallée de la Bièvre qu'il fait décorer par les meilleurs décorateurs de l'époque, Louis Süe, André Mare et André Groult. Son acquisition la plus impressionnante est en 1908 l'abbaye cistercienne de Fontfroide (XII^e siècle) près de Narbonne. Elle est en ruine, il l'a fait entièrement restaurer et la transformer en « œuvre d'art totale ». Pour la bibliothèque, il commande trois immenses toiles à Odilon Redon : Le Jour, La Nuit et Le Silence, qui ont exceptionnellement quitté leur écrin d'origine pour être exposées à Paris, mises en scène dans un décor évoquant ceux de l'abbaye. Après l'achat de Fontfroide, Fayet cesse peu à peu de collectionner pour jouir des quelque 250 œuvres qu'il a conservées et se consacrer à ses propres créations et entreprises.
Il n'aura pas le temps de transmettre. À sa mort prématurée en 1925, à l'âge de 60 ans, son incroyable collection est dispersée dans les plus grandes collections publiques et privées internationales, plongeant son nom dans l'oubli. Grâce à des prêts venant du monde entier, la Fondation Vuitton, qui avait déjà présenté certaines œuvres de la collection Fayet dans les précédentes expositions « Icônes de l'art moderne », a pu réunir plus de 250 pièces de cette extraordinaire collection.

Fayet créateur-décorateur-entrepreneur

L'autre versant de cette inédite exposition retrace aussi le Fayet créateur aux multiples facettes. Le peintre, le musicien fan de Wagner, le commissaire d'expositions, le conservateur du musée de Béziers qui porte aujourd'hui son nom, l'amateur de jardins qu'il aménage dans ses différentes propriétés, faisant de la nature une source d'inspiration majeure qu'il déploie sur ses toiles, céramiques, tapis, papiers peints, tissus aux influences japonisantes, buvards et livres illustrés…Pour illustrer ce propos évoqué dès l'ouverture du parcours de l'exposition, 374 créations de Gustave Fayet sont présentées au dernier niveau de la Fondation. Dont 55 céramiques, 90 aquarelles sur papier buvard, 15 peintures, pastels et gouaches, une remarquable série d'encre de Chine inspirées du trait de crayon de Van Gogh, des mises en carte et des tapis. De nombreuses photographies et décors font revivre l'univers hors norme de ce fascinant personnage, un homme qui « a tout fait avec art » comme le soulignait son ami l'écrivain et poète André Suarès. Une belle épitaphe.

Catherine Rigollet

Photographie au féminin

cath — 2026-10-06T13:12:01Z

Introduction de Fiona Rogers
Ed. Phaidon
Parution 15 octobre 2026
288 pages, 250 ill. couleur et noir et blanc
59,95€

En 1843, la britannique Anna Atkins (1799-1871) fut la première a édité un livre de ses photographies grâce au principe du cyanotype tout juste inventé. Si elle n'était pas photographe de métier, mais botaniste, elle est toutefois considérée comme une pionnière de l'utilisation d'images photographiques. Une simple utilisation devenue un vrai métier pour les femmes, comme pour les hommes. Parmi les toutes premières à se faire remarquer : Julia Margaret Cameron (1815-1879), Margaret Bourke-White (1904-1971), Dorothea Lange (1895-1965), Germaine Krull (1897-1985), Lisette Model (1901-1983)…Depuis deux siècles, des milliers de femmes photographes façonnent notre culture visuelle dans tous les domaines : le portrait, la photographie d'art, le paysage, le photojournalisme, la photographie de mode et de rue…Dans cet ouvrage introduit par Fiona Rogers (première conservatrice de la collection « Women in Photography » du Victoria and Albert Museum), 250 artistes ont été retenues, provenant de 68 pays. Classées par ordre alphabétique, de l'américaine Berenice Abbott (1898-1991) à l'iranienne Maryam Zandi (née en 1947), elles sont présentées avec l'une de leurs images les plus marquantes, accompagnée par un texte inédit signé par un spécialiste du domaine. On pourra compléter sa lecture avec PHOTOgraphies, un ouvrage publié à l'occasion du Bicentenaire de la photographie (voir notre résumé : https://lagoradesarts.fr/PHOTOgraphies-200-ans-de-photographie.html).

Le livre à la Une

cath — 2026-10-06T13:00:00Z

A l'occasion du Bicentenaire de la photographie, ce panorama de la photographie au féminin rappelle le talent et l'importance des artistes femmes dans l'histoire de ce médium.

Zurbarán (1598-1664)

cath — 2026-10-06T09:58:16Z

Musée du Louvre
Jusqu'au 25 janvier 2027.
Réputé pour ses figures monacales et ses clairs-obscurs, Francisco de Zurbarán bénéficie au Louvre d'une rétrospective qui éclaire d'autres facettes de ce maitre de l'Age d'or espagnol qui se fit connaître jusqu'en Amérique.

Francisco de Zurbarán (1598-1664). Du ténébrisme austère à la couleur douce

cath — 2026-10-06T09:42:31Z

Du 7 octobre au 25 janvier 2027
Louvre
Tous les jours, sauf mardi
9h-18h / Nocturne jusqu'à 21h mercredi et vendredi)
Tarif plein (résident EEE) : 22€
Tarif plein (résident hors EEE) : 32€
www.louvre.fr

Visuels :

– Francisco de Zurbarán, Borreguilo (Petit mouton) / Anciennement intitulé Agnus Dei. 1635 – 1640. Huile sur toile, 37,3 x 62 cm. © Photographic Archive. Museo Nacional del Prado, Madrid

– Francisco de Zurbarán, Sainte Casilda, vers 1635. Huile sur toile, 171 x 107 cm. © Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

– Francisco de Zurbaran, Nature morte aux citrons, oranges avec une rose. 1633. Huile sur toile, 62.2 x 109.5 cm ©The Norton Simon Foundation.

– Francisco de Zurbarán, La Vierge et L'Enfant avec saint Jean Baptiste, 1658. 138 x 106,6 cm © The San Diego Museum of Art.

Fervent portraitiste du Christ et de la Passion, peintre de la vie monastique et des saints avec une inclinaison particulière pour saint François d'Assise moult fois représenté en extase, capuchon sur la tête et tête de mort à la main, Francisco de Zurbarán (1598-1664) compte, avec Diego Velázquez et Bartolomé Esteban Murillo, parmi les peintres espagnols les plus importants du XVII^e siècle.

Le Caravage espagnol des premières années

Son style, qui se caractérise par un clair-obscur, lui a valu le surnom de « Caravage espagnol ». Mais d'abord considéré comme un caravagesque marqué par l'ascétisme monastique, il a progressivement été reconnu au XX^e siècle comme un coloriste prodigieux et célébré pour son style très personnel, qui allie la simplification des volumes à un naturalisme saisissant, sans pathos excessif, proche de l'homme pour encourager la dévotion, mais surtout nous émouvoir. Comme le fait son agneau à la douce toison dont les pattes entravées annoncent le sacrifice (Borreguilo). Dans cette Espagne du siècle d'or où la spiritualité de la Contre-Réforme a fait redécouvrir le rôle de l'imaginaire, Zurbarán peint aussi pour frapper les esprits. Sa maîtrise de la dramaturgie est parfaite dans l'immense Christ en croix qui ouvre l'exposition. Commandé en 1627 pour le couvent de San Pablo à Séville, il est représenté sur un fond très sombre, qui évoquerait symboliquement les Évangiles qui racontent que la Terre fut plongée dans le noir à l'instant où le Christ expira. Ce tableau lui apporte une telle notoriété qu'il va désormais s'appuyer sur un atelier et de nombreux assistants pour répondre aux commandes destinées aux monastères. Il va même jusqu'à produire des séries destinées à l'exportation vers l'Amérique, notamment des séries de saintes élégantes et hautes en couleur, dans l'esprit de sa Sainte Casilda. Il faut rappeler que Séville, carrefour économique majeur en ce début de XVII^e siècle est aussi le centre administratif des possessions espagnoles dans le Nouveau Monde.

Le tournant stylistique des dernières années

Après la grande exposition dédiée à (Zurbarán en 2014 à Bruxelles, cette exposition au Louvre, en partenariat avec La National Gallery de Londres et l'Art Institute de Chicago, nous permet de revoir sa peinture et d'en savoir plus sur ce fils d'un riche commerçant, né à Fuente de Cantos en Estrémadure, et qui fit toute sa carrière entre Séville et Madrid. En 65 tableaux (dont 50 œuvres de Zurbarán), le parcours aborde les différentes facettes de l'œuvre du peintre, ses peintures monumentales, mais aussi ses portraits et ses natures mortes. C'est un thème moins connu de Zurbarán, et pour lequel son fils Juan, spécialiste dans ce domaine, collabora brièvement avec son père avant d'être emporté en 1649 par la peste bubonique qui sévit alors à Séville et met la ville à genou. Installé à Madrid à partir de 1658, Zurbarán va consacrer les dernières années de sa vie à une peinture plus intimiste où dominent des Vierges à l'Enfant dans des formats réduits, des compositions simplifiées et une palette plus douce, opérant un tournant stylistique très net, loin du ténébrisme austère qui a assuré sa célébrité au début de sa carrière.

Catherine Rigollet

Mary Cassatt (1844-1926). L'indépendante

cath — 2026-10-05T09:25:40Z

Du 6 octobre 2025 au 31 janvier 2027
Musée d'Orsay
Tous les jours sauf lundi
9h3018h (nocturne jusqu'à 21h45 le jeudi)
Tarif plein : 16€
www.musee-orsay.fr
– Puis National Portrait Gallery, Londres, du 4 mars au 6 juin 2027.

Visuels :

– Mary Cassatt (1844 - 1926), Jeune fille au jardin, entre 1880 et 1882 Huile sur toile H. 92,5 ; L. 65,0 cm. Paris, musée d'Orsay, legs Antonin Personnaz, 1937 © GrandPalaisRmn (musée d'Orsay) / Franck Raux.

– Mary Cassatt (1844-1926), Le Thé, vers 1880 Huile sur toile, 64,8 × 92,1 cm Boston, Museum of Fine Arts, Fonds M. Theresa B. Hopkins Photography © Museum of Fine Arts, Boston.

« Je peux vivre seule et j'aime travailler », déclarait fièrement cette artiste impressionniste américaine.
Issue d'une riche famille de banquiers américains d'origine française, c'est en France que Mary Cassatt (1844-1926) fit toute sa carrière, peignant dans son atelier du château de Bachivillers dans l'Oise d'élégantes jeunes femmes, des enfants, de jeunes mères avec leurs bébés potelés.

Pour marquer le centième anniversaire de la mort de l'artiste, le musée d'Orsay expose 80 tableaux, pastels et estampes, couvrant l'ensemble de sa carrière.