L'agora des arts

Karoly Ferenczy. Une modernité hongroise

cath — 2026-04-16T06:57:09Z

Paris - Petit Palais
Jusqu'au 2 août 2026
Ni naturaliste, ni symboliste, ni impressionniste, ni nabi, mais un peu tout cela à la fois résume bien le parcours du peintre hongrois Károly Ferenczy (1862-1917). Méconnu en France, le Petit Palais lui consacre une rétrospective.

Károly Ferenczy (1862-1917). Modernité hongroise

cath — 2026-04-15T16:56:55Z

Du 14 avril au 2 août 2026
Petit Palais
Avenue Winston-Churchill, 75008 Paris.
Du mardi au dimanche, de 10h à 18h
Nocturne jusqu'à 20h le vendredi et le samedi
Plein tarif : 17€
Tel. 01 53 43 40 00
www.petitpalais.paris.fr

– Exposition conçue en collaboration avec le musée des Beaux-Arts de Budapest et la Galerie nationale hongroise.

– À voir aussi au Petit Palais jusqu'au 19 juillet : l'exposition « Visages d'artistes. De Gustave Courbet à Annette Messager ». Lire l'article.

Visuels :

– Károly Ferenczy, Jeunes garçons jetant des cailloux, 1890.
Huile sur toile, 119.5 × 149 cm. Musée des Beaux-Arts de Budapest – Galerie nationale hongroise.

– Károly Ferenczy, Chevaux dans l'eau, 1896. Huile sur toile, 116 x 97 cm. Collection particulière.

– Károly Ferenczy, Au sommet de la colline, 1901. Huile sur toile, 110 x 141,5 cm. Musée des Beaux-Arts de Budapest – galerie nationale hongroise.

– Károly Ferenczy, Garçons se baignant (été), 1902. Huile sur toile. Musée des Beaux-Arts de Budapest – galerie nationale hongroise.

– Károly Ferenczy, Ruiseau II, 1907. Huile sur toile, Musée des Beaux-Arts de Budapest – galerie nationale hongroise.

– Károly Ferenczy, Le Mur rouge IV, 1910. Huile sur toile, 31 x 31 cm. Collection particulière.

Photos : L'Agora des Arts

Ni naturaliste, ni symboliste, ni impressionniste, ni nabi, mais un peu tout cela à la fois résume bien le parcours du peintre hongrois Károly Ferenczy (1862-1917). Méconnu en France, le Petit Palais lui consacre une rétrospective de 140 peintures et dessins, dont la plupart proviennent des musées hongrois et des collections privées de Budapest. Elle révèle la variété de ses influences et le vaste éventail des genres (portraits, autoportraits, scènes familiales, paysages, sujets bibliques, nus…) abordés par cet artiste considéré comme le « fondateur de la peinture hongroise moderne ».

Issu d'une famille originaire de Vienne et installée à Budapest, en Hongrie, un pays encore enchâssé dans l'Empire des Habsbourg, Ferenczy a baigné dès son plus jeune âge dans le cosmopolitisme caractéristique des élites de l'Europe centrale au XIX^e siècle et s'est forgé une solide culture européenne au cours de ses voyages. Après des études juridiques, il se consacre à la peinture, initié par sa cousine, la peintre Olga Fialka de quatorze ans son aînée, qu'il épouse en 1885.
Sa première période, d'un naturalisme quasi photographique influencé par son passage à l'académie Julian à Paris de 1887 à 1889 et inspiré du peintre Jules Bastien-Lepage, chef de file de ce nouveau courant, séduit d'emblée par le radicalisme épuré et mélancolique de sa composition et de sa palette grise (Jeunes garçons jetant des cailloux, 1890).

En 1896, devenu membre fondateur d'une colonie d'artistes installée à Nagybánya, au cœur de la nature (actuellement, Baia Mare, Roumanie), Ferenczy se plonge dans des expérimentations symbolistes et bibliques, proches d'une conception panthéiste de la nature, en puisant dans la vie et les traditions populaires des paysans, bûcherons et tziganes. Mais qui peinent à nous convaincre par leur exécution ombreuse et finalement trop retenue dans leur spiritualité et leur décor. L'exposition évoque à cette époque le dialogue étroit entre peinture et littérature au sein du cercle de Nagybánya, notamment à travers les illustrations réalisées par Ferenczy pour les poèmes de József Kiss. De très beaux dessins nabis.

Le travail en plein air pratiqué à Nagybánya va faire évoluer Ferenczy vers une nouvelle forme de peinture de paysage et de scènes de baignade en rivière plus lumineuse et au chromatisme puissant. Toujours égal à lui-même dans ses expérimentations, il y varie les effets de matière, alternant peinture à l'huile et tempera, apportant une précision à la Corot dans Au sommet de la colline (1901), un ciel pointilliste et des touches vibrantes dans ses deux tableaux de Garçons se baignant (Été, 1902) et une fluidité impressionniste dans Ruisseau II (1907). Et il immortalise dans un autoportrait cette période où toute sa créativité se concentre sur la figuration du soleil et de son effet sur le paysage (Autoportrait au soleil, 1900).

À partir de 1906, après avoir obtenu un poste de professeur à l'École supérieure des beaux-arts de Budapest et co-fondé la Société hongroise des impressionnistes et des naturalistes, Ferenczy revient au travail en atelier, réalisant des nus féminins très classiques, des artistes de cirque et une ultime Pietà…qu'il découpera en partie pour une raison inconnue ! S'il peint encore des paysages, les tonalités sont devenues plus sourdes, proches des recherches des peintres nabis. Installé dorénavant à Budapest, Ferenczy conserve sa maison et son atelier à Nagybánya, où il séjourne l'été en famille, pratiquant plusieurs sports, dont le tir à l'arc et l'équitation, peignant ses enfants à cheval ou en portrait : Noémi, qui deviendra artiste textile, Béni sculpteur et Valèr peintre. L'exposition se conclut avec l'intrigant Mur rouge IV (1910). Une petite composition assez originale par sa perspective en plongée et son sujet qui n'est pas tant l'homme au chapeau lisant son journal, que ce mur tendu d'un drap rouge, la gouttière qui le fend verticalement et la nappe à rayures rouges et blanches qui accroche le regard. On reste longtemps devant ce tableau à l'atmosphère « fin de siècle » et au temps suspendu en lui trouvant une étrange résonance avec l'actualité.

Catherine Rigollet

Lee Miller

cath — 2026-04-12T14:26:00Z

Paris - MaM
Jusqu'au 2 août 2026
Cette exposition permet de mesurer l'importance de son œuvre photographique, poétique et surréaliste, et met en lumière sa diversité : des photographies de mode aux portraits et paysages jusqu'à ses reportages de guerre.

Lee Miller. Rétrospective au Musée d'Art Moderne

cath — 2026-04-12T08:40:38Z

Du 10 avril au 2 août 2026
Musée d'art moderne de Paris
11, avenue du Président Wilson (Paris, 16^e)
Ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h
Nocturne le jeudi jusqu'à 21h30 et le samedi jusqu'à 20h
Plein tarif : 17 €
https://www.mam.paris.fr/

– À l'occasion de l'exposition Lee Miller au Musée d'Art Moderne, l'Agora des Arts remet en ligne la recension de la passionnante biographie écrite par Carolyn Burke en 2023 (Nouveau Monde Éditions, 512 pages - 23,90€). https://lagoradesarts.fr/Lee-Miller-Une-vie-sans-filtre.html.
– À voir aussi le biopic « Lee Miller » d'Ellen Kuras (2023), avec Kate Winslet dans le rôle de Lee Miller.

Visuels :

Longtemps la vie aventureuse de Lee Miller (1907-1977) à la beauté androgyne a éclipsé son travail que cette exposition rétrospective du MAM s'attache à mettre en avant sous toutes ses facettes de façon chronologique. Ces repères ne sont pas superflus car la vie de Lee Miller est un roman et les facettes de son art sont nombreuses. Au fil de 250 tirages anciens et modernes, accompagnés de pièces de documentation (magazines, revues, journaux, lettres…), on trouve la plupart des images iconiques attachées à sa vie et à son œuvre, jeune mannequin star, collaboratrice-amante de Man Ray, portraitiste réputée à Paris et New York, curieuse en Égypte, au Proche-Orient et dans les Balkans, reporter de mode à Londres sous le Blitz et photojournaliste de guerre dans l'Europe en voie de libération... mais aussi celles, moins connues, qui montre son regard artistique sur le monde qui l'entoure et qu'elle ne cessa de parcourir avec audace et courage en témoin inspiré. Revivre ces années trente et quarante du siècle dernier, aussi créatives que terribles, à travers les photos de Miller est une expérience à nulle autre pareille, l'émotion percutée par tant de beautés et de drames, d'imagination dans la beauté et l'horreur. Et surtout avec ce regard décalé qui la définit, exprimant une compréhension des choses et une sensibilité unique qui font la grande originalité de sa photographie.

Deborah Levy, dans son essai « Elle est là » du catalogue de l'exposition (éditions Paris Musées, 260 pages, 55 euros, p.21), ose cette ribambelle d'adjectifs (et elle a raison !) : « Talentueuse, libre d'esprit, déprimée, flamboyante, d'âge mûr, audacieuse, érotique, ambitieuse, douée, mélancolique, expérimentale, courageuse, jeune, sauvage et belle, traumatisée et inspirée. Surréaliste et réaliste, Lee Miller aura braqué son objectif sur son siècle, le XX^e siècle, dans ce qu'il a de plus euphorique, de créatif, de brutal et de destructeur. » Le plus remarquable chez Miller, qui a baigné dès son enfance dans la photographie, tour à tour modèle, apprentie photographe auprès des plus grands maîtres et professionnelle accomplie, est d'avoir créé un style propre, une signature reconnaissable entre toutes. Chez elle, même la réalité la plus crue prend des allures surréelles, exprime une « surréalité » teintée d'humour noir (voir Femmes équipées de masques anti-feu, Remington réduite au silence, Chapelle non conformiste, Débris sur le trottoir, Ligne directe avec Dieu...).

Son art est un antidote à tout orientalisme dans ses clichés d'Égypte (Portrait de l'espace, deux tirages sans titre dits « Coquilles d'escargots » et « Sacs de coton ou La Fabrique de nuages ») et à tout négationnisme dans ses photos serrées, prises au Rolleiflex, de Buchenwald et Dachau prises quelques jours après la découverte et la libération de ces camps. Là, elle shoote autant les cadavres, les rescapés et les soldats sidérés que les gardiens violentés. Devant cet indicible monstrueux, elle télégraphie d'ailleurs à la rédaction de « Vogue » pour qui elle travaille : « Je vous implore de croire que cela est vrai. » Hilary Floe, dans son essai « Femme soldat : Lee Miller entre texte et image » (catalogue, p.45), note justement : « Comme souvent dans la photographie de guerre de Lee Miller, la frontière entre art et documentaire est trouble. »
Étonnantes aussi mais combien percutantes ses images des forces vives féminines sur le sol anglais avant le Débarquement : infirmières, aviatrices et mécaniciennes de l'aviation, photojournalistes, ouvrières jusqu'à cette incroyable Plieuse de parachutes que seule Lee Miller pouvait ainsi saisir ! Et, en deux espaces de l'exposition, entre l'art et le réel, on apprécie aussi les sublimes portraits d'artistes et d'amis : Picasso, Paul et Nush Éluard, Joseph Cornell, Max Ernst, Leonora Carrington (exposée au musée du Luxembourg jusqu'au 19 juillet 2026)...Car Lee Miller n'a pas seulement parcouru le monde des lumières et des ténèbres, des mystères et zones d'ombre, elle connaissait tout le monde ! Lee Miller est totalement fascinante jusqu'au bout du supportable, de l'Europe défigurée par la guerre et le nazisme, dont elle se remettra d'ailleurs difficilement…

Jean-Michel Masqué

Henry Taylor. « Dire toute la vérité ».

cath — 2026-04-11T16:54:00Z

Paris - Musée Picasso
Jusqu'au 6 septembre 2026.
Première rétrospective de l'artiste afro-américain en France dont l'œuvre, expressive et puissante, dévoile les mécanismes d'oppression qui traversent la société américaine. Comme l'incarcération de masse, la pauvreté, les violences policières et les inégalités raciales.

Lee Miller. Une vie sans filtre

cath — 2026-04-11T15:45:44Z

Carolyn Burke
Nouveau Monde Editions
Publié le 14 juin 2023
512 pages
23,90€

– Voir aussi le film, Lee Miller d'Ellen Kuras avec Kate Winslet dans le rôle de Lee Miller et Alexander Skarsgard.

Mannequin, muse du surréalisme, photographe de mode, puis reporter, Lee Miller fut également la première correspondante de guerre américaine. Carolyn Burke révèle ici comment cette femme qui inspira Man Ray, Cocteau et Picasso a pu aussi photographier sans faillir les horreurs de Buchenwald et de Dachau.

Lee Miller. Une vie sans filtre. Plutôt « Quelle Vie » et même « Quelles Vies ! » a-t-on envie de dire après avoir refermé ce captivant récit. Originaire d'une petite ville américaine, Lee Miller (1907-1977) a grandi dans une famille aisée et progressiste, sous le regard aimant mais troublant de son père Théodore, passionné de photographie qui, très tôt, la fit poser nue devant son objectif, tout en l'initiant à la photographie. La suite de sa jeunesse est plus violente : victime d'un viol à l'âge de 7 ans, atteinte d'une blennorragie pour laquelle elle subira de très douloureux et longs traitements, témoin du suicide de son petit ami à l'adolescence, peu studieuse et déjà pourvu d'un esprit libre et rebelle, elle décide de partir pour Paris à 18 ans, s'intéresse au cinéma et au théâtre, puis s'envole étudier l'art à New York, tout en posant comme mannequin, notamment pour Edward Steichen, avec déjà une armée de soupirants à ses pieds. De retour à Paris, elle devient l'élève, la muse et l'amante de Man Ray, se met à la photographie avec son Kodak pliable, côtoie nombre d'artistes, poètes, peintres, créateurs : Breton, Foujita, Chanel ou Cocteau... et voyage. Toujours en quête d'ailleurs, elle installe un studio photo à New York. Mais du point de vue artistique, elle est dans une impasse, le surréalisme ne passe plus dans l'ambiance économique morose du début des années 30.

Elle s'envole à nouveau, cette fois pour le Caire rejoindre l'égyptien Aziz Eloui Bey, puis se lasse du pays et de l'homme et repart à Paris en 1937 où elle se lie avec le collectionneur et artiste anglais Roland Penrose. C'est une fois installée à Londres durant les années de guerre, qu'elle reprend avec passion la photographie, immortalisant les horreurs du Blitz avec des images souvent spectaculaires comme ce piano écrasé sous des ruines ou l'équipe de son journal (Brogue) travaillant dans des salles au milieu de débris de verre. Devenue reporter de guerre pour les États-Unis, elle découvre les camps de Büchenwald et Dachau en 1945. Un choc qui se traduira par des photographies, particulièrement crues.
De retour à Londres après un séjour dans sa famille aux États-Unis, elle finit par épouser Roland Penrose avec qui elle aura un fils, Antony, dont elle ne se sentira jamais proche. Elle a 40 ans, elle a perdu beaucoup de son intérêt pour la photo, sa vie s'organise désormais entre les voyages et visites d'amis tels Eluard, Picasso (qui fera six portraits d'elle), Max Ernst, Miro, Braque et Giacometti, une aide aux expositions que Penrose organise à Londres et sa nouvelle passion pour les créations culinaires (souvent subversives) qu'elle pratique le week-end dans leur maison de campagne de Farley Farm dans l'East Sussex. Mais la Lee Miller qui multipliait les conquêtes n'est plus que l'ombre de la top modèle de Vogue d'autrefois. Elle sombre de plus en plus dans l'alcoolisme et doit supporter une maîtresse de Penrose…Triste fin pour une femme libre et rebelle, passée du statut d'objet d'art à celui d'artiste.

Ce livre – illustré de photographies en noir & blanc – raconte le parcours exceptionnel de Lee Miller et restitue toute la verve et l'énergie de cette femme dont l'ampleur de l'œuvre photographique fut découvert peu après sa mort, quand son fils retrouva plus de soixante mille photos et négatifs que Lee avait laissés dans des malles et cartons abandonnés dans le grenier de Farley Farm. Comprenant qu'il avait grandi sans connaître vraiment la vie de sa mère, il utilisa toutes ces archives pour écrire la première biographie sur Lee Miller : « The Lives of Lee Miller ».

Henry Taylor. Quand les pensées perturbent

cath — 2026-04-11T13:32:41Z

Henry Taylor. Where thoughts provoke
Musée national Picasso
5, rue de Thorigny 75003
Du mardi au dimanche, 9h30-18h
Billet Henry Taylor + Collection : 16€ (tarif plein)
www.museepicassoparis.fr

Visuels :

– Henry Taylor, Untitled, 2019. Acrylique et peinture en aérosol sur toile. Collection de Aishti Foundation, Beyrouth, Liban. Et sculpture : Untitled), 2021, technique mixte. Courtesy de l'artiste et Hauser & Wirth. Photo L'Agora des Arts.

– Henry Taylor, Cora (cornbread), 2008. Acrylique sur toile. Courtesy de l'artiste et Hauser & Wirth. Photo L'Agora des Arts.

– Henry Taylor, Untitled, 2016-22. Coll. Part. Photo Jeff McLane
© Henry Taylor Courtesy the artist and Hauser & Wirth.

– Henry Taylor, Neighborhood Council, 2012. Technique mixte. The Lumpkin-Boccuzzi Family Collection. Photo L'Agora des Arts.

– Henry Taylor, Mary had a little…(that aint no lamb), 2013. Acrylique sur toile. Collection particulière de Lonti Ebers, New York. Photo L'Agora des Arts.

– Henry Taylor, The times thay aint a changing fast enough ! 2017. Acrylique sur toile. Whitney museum of American Art, New York. Photo L'Agora des Arts.

– Henry Taylor, From Congo to the Capital and black again, 2007. Acrylique et technique mixte sur bois. Collection particulière, Artsy Craft, LLC. Photo L'Agora des Arts.

Cette exposition est la première rétrospective de l'artiste afro-américain en France dont l'œuvre, expressive et puissante, dévoile les mécanismes d'oppression qui traversent la société américaine. Comme l'incarcération de masse, la pauvreté, les violences policières et les inégalités raciales.

« La seule chose que tu puisses faire, c'est dire la vérité ». C'est sous cette injonction, qui lui est faite lors d'un rêve, qu'Henry Taylor (né en 1958 en Californie, vit à Los Angeles) a placé son œuvre libre et instinctive. En peinture, dans une palette de couleurs vives, une touche rapide et une texture épaisse, ou dans ses sculptures et assemblages d'objets hétéroclites, comme des bidons en plastiques peints en noir et semblables à des masques, Henry Taylor crée depuis plus de trente ans une œuvre qui puise sa force dans l'expérience vécue des personnes qui l'entourent et sa propre histoire de fils d'une famille modeste de huit enfants.

Tissant des récits visuels, composés essentiellement de portraits, il fait coexister des anonymes dans des scènes du quotidien : une femme qui étend son linge (Mary had a little...(that aint no lamb), 2013), un fermier et son cheval (Stand Tall – Y'all, 2013) et des personnages iconiques. Tel Martin Luther King, l'un des leaders du mouvement des droits civiques aux États-Unis qu'il montre dans une scène inattendue, en train de jouer au ballon avec ses quatre enfants (Untitled, 2016-22). Il se fait également l'écho d'événements marqués par la violence institutionnelle pour qu'ils ne soient pas oubliés. Comme le meurtre de George Jackson, afro-américain abattu en prison par des gardiens en 1971, et celui de Philando Castile, abattu par un policier lors d'un simple contrôle routier en 2016 (The times thay aint a changing fast enough !, 2017). Il laisse aussi remonter des souvenirs intimes. Comme lorsque sa mère, Cora, faisait cuire le pain de maïs sur la vieille cuisinière (Cora, 2008), révélant ici une image à la fois Pop par l'ajout sur la peinture d'une bouteille de Bre Rabbit Syrup, et d'un réalisme social qui évoque l'univers photographique de Dorothea Lange ou Walter Evans.

En ancien étudiant du California Institute for the Arts ; cursus qu'il suivit tout en travaillant en parallèle à l'hôpital psychiatrique de Camarillo, Henry Taylor réinterprète des figures et des motifs emblématiques de l'histoire de la peinture moderne. Mêlant parfois dans ses toiles des relectures d'œuvres d'art inspirantes, notamment celles militantes de David Hammons, celles expressionnistes-abstraites de Philip Guston. Mais aussi des références à Manet et son Déjeuner sur l'herbe qu'il réinterprète dans Jungle Fever (2023), à Matisse ou à Picasso, comme dans son tableau From Congo to the Capital, and black again, 2007, hommage aux Demoiselles d'Avignon.

Devenu l'une des figures majeures de la peinture noire américaine avec Kerry James Marshall, Henry Taylor a fait l'objet de nombreuses expositions aux États-Unis et à l'étranger. Ses œuvres figurent au Studio Museum de Harlem à New-York, au Museum of Contemporary Art de Los Angeles, au MoMA à New York, à la Fondation Louis Vuitton, Paris, à la Bourse de Commerce – Pinault Collection, Paris…
Cette exposition au Musée national Picasso-Paris est la première rétrospective de l'artiste américain en France, venu tout spécialement pour y réaliser l'accrochage.

Catherine Rigollet

Le livre à la Une

cath — 2026-04-06T18:14:00Z

Un voyage en dix-sept « régions », à travers une sélection de 195 affiches ferroviaires, de 1880 à 1936, signées de grands illustrateurs de l'époque. Cette promenade en images touristiques est complétée de photographies anciennes de vacances et d'une passionnante et érudite étude sur l'histoire du développement touristique en France et sa démocratisation.

Un tour de France en affiches / Ed. de la Martinière

cath — 2026-04-06T14:59:53Z

Jean-Didier Urbain
Éditions de la Martinière
Parution 27 mars 2026
19 x 24,6 cm – 232 pages
19,90€

Un voyage en dix-sept « régions », à travers une sélection de 195 affiches ferroviaires, de 1880 à 1936, signées de grands illustrateurs de l'époque (Alphonse Mucha, F. Hugo d'Alési, Géo Dorival, Constant Duval, Charles-Jean Hallo ou Roger Broders). Cette promenade en images touristiques (du patrimoine naturel et culturel aux activités sportives d'été et d'hiver, en passant par le thermalisme) est complétée de photographies anciennes de vacances et d'une passionnante et érudite étude sur l'histoire du développement touristique en France et sa démocratisation.
Un tourisme d'abord culturel, pratiqué par une élite, qui reprend le principe du voyage humaniste de la Renaissance et du Grand Tour effectué par les étudiants de bonne famille. Avant de gagner du terrain en 1853 avec le début de congés payés au bénéfice des fonctionnaires, puis à partir de 1900 aux salariés du tout nouveau métro parisien, des employés de grands magasins et des salariés des industries électriques et gazières, avant de se populariser en 1936. Touchant davantage les villes que les campagnes, ce tourisme de loisirs profite de la révolution ferroviaire avec la première ligne de 18 km ouverte entre Saint-Étienne et Andrézieux en 1827 puis le maillage progressif du territoire, tronçon par tronçon. Certes on ne parle pas encore de réseau, on ne roule encore qu'à 30 ou 40 km/h, mais l'élan est donné. La révolution médiatique des affiches touristiques va suivre la révolution ferroviaire et le raccourcissement progressif des temps de transport.
La publicité en général et les affiches en particulier exaltent les qualités régionales déjà évoquées par les peintures, récits de voyages, magazines et guides touristiques qui fleurissent. Surnommée l'Arcachon du Nord, Paris-Plage-Le Touquet est à 3 heures de Paris vente ainsi l'affiche de la Compagnie Chemin de Fer du Nord montrant une belle pêcheuse à pied portant un filet encadrée de petites vues façon cartes postales évoquant les élégantes sur la plage et les forêts de pins au bord de la mer (affiche de Louis Tauzin 1900). « Venez passer l'hiver à Nice » propose l'affiche dessinée par F. Hugo d'Alési pour les Chemins de fer PLM qui précise que ce sera en train de luxe avec wagons-lits, wagons restaurants et un trajet rapide en… 18h3/4 tout de même ! Si le train facilite le voyage, pour certains, comme Jules Michelet, il reste dangereux pour la santé à cause de la vitesse, du décalage horaire et des changements de climats trop rapides quand on parcourt la France du Nord au Sud. Et pour Victor Hugo, la vélocité du train brouille la réalité, la floute : « les fleurs au bord des champs ne sont plus des fleurs, mais des taches… ». Qu'importe. Le transport en train est devenu synonyme de vacances. Les vacances synonymes de voyage. Et les affiches vous y invitent.
Un beau livre d'affiches dans un style art nouveau-art déco, qui donne envie de parcourir la France. À s'offrir ou à offrir.

André Cervera. Carambolages expressionnistes

cath — 2026-04-02T14:45:27Z

Du 29 mars au 7 juin 2026
Musée Paul Valéry
148, rue François-Desnoyer (Sète-Hérault)
Du mardi au dimanche de 10h à 18h
Plein tarif : 6,20 €
www.museepaulvalery-sete.fr

À voir aussi à Sète : Lucy McKenzie. Plastic Newspaper. Centre Régional d'Art Contemporain (CRAC) Occitanie. Jusqu'au 6 septembre 2026. Lire l'article.

Visuels :

– André Cervera, La Rue des fous, 2024, acrylique et technique mixte sur toile de lin, 180 x 210 cm © ADAGP, Paris, 2026 © Pierre Schwartz.

– André Cervera, Les Monstres attaquent la ville, 2024, acrylique et technique mixte sur toile de lin, 130 x 195 cm © ADAGP, Paris, 2026 © Pierre Schwartz.

– André Cervera, Partie de campagne, 2024, acrylique et technique mixte sur toile de lin, 146 x 114 cm © ADAGP, Paris, 2026 © Pierre Schwartz.

– André Cervera, Naranja, 2025, acrylique et technique mixte sur toile de lin, 114 x 146 cm © ADAGP, Paris, 2026 © Pierre Schwartz.

– André Cervera, La Grande traversée, 2022, acrylique et technique mixte sur toile de lin, 180 x 210 cm © ADAGP, Paris, 2026 © Pierre Schwartz.

– André Cervera, La Belle Persane, 2024, acrylique et technique mixte sur toile de lin, 150 x 150 cm © ADAGP, Paris, 2026 © Pierre Schwartz.

Fils du monde et de la Figuration libre (mouvement informel regroupant les Sétois Combas et Di Rosa mais aussi François Boisrond et Rémy Blanchard), le Sétois André Cervera (né en 1962) présente ce printemps au musée Paul Valéry un ensemble d'œuvres très récentes (2024-2025) comme un regard rétrospectif sur sa carrière et le signe d'un élan artistique toujours vivant. Ces trente-sept « carambolages » constituent une autobiographie éclatée en trois temps : Fictions de Sète, Territoires de l'imaginaire, Peintures d'histoire. Cervera lui-même parle de « voyage à travers ma mémoire », lui qui a été et reste un grand voyageur terrestre, de l'Afrique à la Chine en passant par l'Inde. Un voyageur qui a toujours cherché dans ces pays lointains, outre à s'imprégner des us et coutumes des autochtones, à capter les traces du sacré, des rituels, les faces cachées du monde pour en irriguer son art.

Tout commence à Sète

Mais tout commence à Sète, Sète « réinventée » sur le port et dans les rues, en famille et entre amis, là où les grues se transforment en monstres, où les putains et les marins se pavanent, où les enfants et les frères s'amusent parmi le carnaval humain, où Godzilla rencontre Godard et Leone (La Rue des fous, Il y a un gorille dans la salle, Les Monstres attaquent la ville ». On a pu qualifier Cervera de « peintre du quotidien extraordinaire », selon une expression de son frère Michel Zoom, poète proche des Sétois de la Figuration libre et prématurément disparu à 44 ans. La palette d'André est bariolée, très expressive dans des compositions (positionnement des personnages, cadrage en plongée..) qui rappellent son amour premier pour le cinéma, de Bruce Lee à Pasolini.

Dans son essai « Conjurer le noir » du catalogue « André Cervera. Carambolages » (coédition Éditions Loubatières-Musée Paul Valéry, 27€, p.23), Amélie Adamo précise ; « Ses sujets, André Cervera les puise dans le fond de la vie, dans les souvenirs d'enfance, dans les voyages, dans les petits rituels quotidiens, dans les rencontres. C'est dans ce vivant qu'André Cervera traque le « quotidien extraordinaire » : quand soudain dans un pas de côté, la réalité dérape, perturbée, quand l'instant devient poésie. La peinture d'André Cervera cherche à fixer cette magie-là. La vibration du vécu, la vitalité d'un fond populaire, avec son lot proliférant d'humanités, d'humilités, de sensations, de couleurs, d'images, déferlent dans les tableaux d'André Cervera. Sa peinture, c'est l'épopée d'une mémoire, celle d'une génération et d'un milieu, mais aussi de temps et d'espaces traversés. »

Se frotter à d'autres cultures

Cervera a souvent quitté les bords de la Méditerranée et la solitude de son atelier pour se frotter à d'autres cultures, nourrir son imaginaire de nouvelles sensations et son art de nouvelles perspectives et manières d'interpréter le monde. Il a donc arpenté ces « territoires de l'imaginaire » pour y collecter d'autres histoires, d'autres couleurs et d'autres matières qu'il a pu intégrer à son univers pictural. Un univers qui éclate dans cette exposition sétoise en fusées de couleurs et apparitions de formes « exotiques », de personnages masqués, des masques qui ne sont d'ailleurs pas réservés par l'artiste à ses « scènes de voyages » mais parcourent toute son œuvre comme l'impossibilité de fixer une identité unique parce que la mémoire est un champ de forces traversé par les métamorphoses du moi et les soubresauts du voyage ou de l'histoire collective (Naranja, Guignol existe, La Folie !). « Se peindre comme Autre chez André Cervera, n'est ni un masque supplémentaire ni un retrait stratégique. C'est accepter que la peinture fasse apparaître ce qui, en nous, échappe à l'identité, au récit et à la maîtrise. L'artiste n'est pas le sujet souverain de son œuvre, mais l'un des lieux où se croisent mémoire individuelle, histoire collective et formes symboliques », suggère Stéphane Tarroux dans son essai « Se peindre comme Autre » du catalogue (p.43).

Caramboler les Maîtres

C'est avec une admiration irrévérencieuse que Cervera célèbre ses maîtres, détournant Goya et Ensor, dont il apprécie les masques et le grotesque, les forces de la nuit et de l'invisible (Le Sabbat et L'entrée de King Kong à Bruxelles). Dans ce carambolage des références, il détourne Géricault dans La Grande traversée au bord de cette Méditerranée redevenue si meurtrière aujourd'hui… Dans La Forêt imprévisible, la Bête du Gévaudan et Tarzan s'invitent au fameux déjeuner sur l'herbe. Cervera ne manque pas d'humour ! Enfin, comme il a rendu hommage à son père exilé de la guerre civile espagnole (La Gloire de mon père), l'artiste présente en fin de parcours les pages de livres récemment créés pour illustrer les poèmes de son frère mort trop jeune. À sa façon singulière, Cervera bien ancré dans notre histoire n'oublie pas d'où il vient, carambolant le monde et les mémoires dans un tourbillon coloré.

Jean-Michel Masqué