L'agora des arts

Djamel Tatah. Un univers de tragédie grecque

cath — 2026-06-05T08:57:44Z

Du 22 mai au 20 septembre 2026
Musée des Beaux-Arts et au musée national Magnin
Tous les jours, sauf mardi
10h-18h30
Plein 9€, Réduit 5€
https://musees.dijon.fr/exposition/repeter-muter-djamel-tatah/

– Djamel Tatah, Sans titre, 2025. Huile et cire sur toile, 220 x 200 cm Collection de l'artiste © Franck Couvreur / Studio Djamel Tatah © ADAGP, Paris, 2026

Depuis l'âge de 20 ans, Djamel Tatah, artiste d'origine algérienne, né en 1959 à Saint-Chamond dans la Loire et formé à l'école des Beaux-arts de Saint-Étienne, construit un univers de tragédie grecque, silencieux, habité de personnages identiques, tous vêtus de noir, le visage blanc sans trace d'émotion, le regard lointain ou baissé. Debout, marchant ou gisant, seuls ou regroupés mais visiblement solitaires, ils sont dans un temps suspendu, dans un espace sans décor et sans symbole, universel. Abstraits et figuratifs, les tableaux de l'artiste composent une chorégraphie des corps, parfois à taille humaine, dans des postures inusitées sur les bords et dans les coins de ses toiles mono ou bi-chrome, ou qui les fait voler comme Chagall.
La répétition et la variation des formes s'imposant comme une expérience dans la peinture. Les personnages qui semblent tous détachés du temps et des lieux, laissent assez de place sur la toile pour que nous y entrions, respectueux de leur histoire, de leur silence...de leur tragédie peut-être, comme le sous-entend l'artiste lorsqu'il dit : « J'essaie de peindre la présence, la solitude des êtres humains pris dans la tragédie » En savoir plus.
Le musée des Beaux-Arts et le musée national Magnin s'associent pour cette exposition dans laquelle Djamel Tatah dialogue aussi avec les collections anciennes des deux musées, poursuivant sa réflexion sur la peinture et nous invitant à réfléchir à la persistance des tragédies collectives qui se répètent sans fin : guerre, exil, solitude.

Catherine Rigollet

Par-delà les Mille et Une Nuits

cath — 2026-06-03T13:07:00Z

Du 25 mars au 20 juillet 2026
Louvre-Lens
99, rue Paul-Bert (Lens, Pas-de-Calais)
Tous les jours sauf le mardi
De 10h à 18h
Plein tarif : 12 €
03 21 18 62 62
https://www.louvrelens.fr/

– Dans ce musée, on ne manquera pas de profiter de la Galerie du temps, dont l'entrée est libre et gratuite, pour se délecter de merveilles dans un espace muséal à nul autre pareil.

– Pour se restaurer au Louvre-Lens : restaurant de l'Atelier du Cerisier
https://www.lecerisier.com/louvre-lens

– Pour préparer son séjour :
https://www.tourisme-en-hautsdefrance.com/

Visuels :

– Exposition Par-delà Les Milles et une Nuits. Louvre-Lens ©Louvre-Lens © F. Iovino.

– Lion, dit de Monzon, 10^e siècle. Cordoue. Département des Arts de l'Islam. Musée du Louvre. Dist GrandPalaisRmn/Hughes Dubois.

– Auguste Dominique Ingres, Tête de la Grande Odalisque, 1828. Huile sur toile Musee du Louvre. Département des Peintures © Grahal-Franck Beaucourt.

Histoires des Orientalismes

À l'image de sa Galerie du temps, qui déroule des milliers d'années d'art dans un même espace, le Louvre-Lens a campé sa nouvelle exposition temporaire sur le temps long, du Moyen Âge carolingien à nos jours, et sur un vaste espace géographique, le monde méditerranéen et oriental islamique de l'Espagne à l'Iran. En quinze étapes délicatement scénographiées, le public s'immerge dans un bain d'objets précieux et d'œuvres suggestives d'un Orient réel autant que réinventé, voire fantasmé, par l'Occident. Ainsi s'expliquent le titre de l'exposition et son sous-titre. « Par-delà les Mille et Une Nuits » pour sortir des contes, d'une fausse image que notre siècle entend corriger, et les pluriels d'« Histoires des orientalismes » pour insister sur un temps long de créations artistiques, de relations et d'échanges entre deux mondes, qui ne se limite pas au seul courant orientaliste bien balisé du XIX^e siècle, et sur la variété des objets et des œuvres exposés (300 dont 99 issus du département des Arts de l'Islam du Louvre). Jusque dans la vision de quatorze artistes contemporains invités dont les travaux ponctuent le parcours, offrant ainsi un nouveau regard sur cette histoire pluriséculaire qui se poursuit. Car cette exposition est aussi affaire de regard et de miroir, celui que l'Occident a posé durant des siècles sur l'Orient et le monde islamique en général.

Verre dit « de Charlemagne », Olifant dit « Cor de Roland », Bassin dit « baptistère de saint Louis »…Tous ces objets d'une facture exceptionnelle ont eu une histoire légendaire, rattachée au récit d'une histoire nationale mythifiée, bien avant de bénéficier d'une analyse historico-artistique plus précise et plus juste depuis le XX^e siècle. « Nous revenons sur le destin de ces objets en les replaçant de manière inédite dans leur contexte historique et chronologique, du Moyen Âge jusqu'à nos jours, aussi bien dans leur histoire réelle que dans leur récit imaginaire et légendaire », explique Annabelle Ténèze, directrice du Louvre-Lens et commissaire générale de l'exposition. « Ce n'est pas une histoire des arts de l'Islam telle qu'on la ferait au Louvre, mais le récit des mille et une vies que ces objets ont eues », précise Gwenaëlle Fellinger, conservatrice en chef du département des Arts de l'Islam, musée du Louvre, et commissaire scientifique de l'exposition. « On croise ici la grande Histoire, la petite histoire des légendes, et l'histoire des regards de ceux et celles qui nous ont précédés », résume Annabelle Ténèze.

Ces « Histoires des orientalismes », illustrées de tant de belles et mystérieuses pièces (outre les trois citées plus haut, on pense au Lion dit « de Monzon »), racontent aussi l'Europe dans sa curiosité et ses préjugés, son attirance pour cet Orient rêvé que renforceront encore, à partir de la fin du XVIII^e siècle, la campagne d'Égypte et les expositions universelles. Une relation encore plus pervertie à l'époque des colonialismes triomphants. Un thème qui n'est cependant pas directement évoqué dans cette exposition. De Shéhérazade aux odalisques, en passant par les « danses du ventre » ou les décors orientaux reconstitués par des collectionneurs et des artistes d'ici, cette exposition associe la beauté des choses à l'intelligence du propos ; elle dépayse autant qu'elle questionne. Quoi de mieux !

Jean-Michel Masqué

L'univers visuel de Kandinsky

cath — 2026-06-02T12:55:37Z

Villeneuve-d'Ascq - LaM
Jusqu'au 14 juin 2026.
La réouverture du LaM en février 2026 après dix-huit mois de rénovation a offert à sa collection permanente un nouvel accrochage baptisé « Obsession ». Et jusqu'au 15 juin, le musée présente une exposition originale sur le rôle des images chez Kandinsky.

Vassily Kandinsky face aux images

cath — 2026-06-02T12:46:00Z

Du 20 février au 14 juin 2026
LaM, Lille Métropole Musée d'art moderne, d'art contemporain, d'art brut
1, allée du Musée
Villeneuve d'Ascq (Nord)
Du mardi au dimanche
De 11h à 19h
Plein tarif : 11 € (collection et expo temporaire)
Tél. 03 20 19 68 68/51
www.musee-lam.fr

Pour se restaurer au musée : nouveau restaurant « Pigments » du jeune chef étoilé Florent Ladeyn
https://www.musee-lam.fr/fr/cafe-restaurant

À voir à proximité de Lens :
– Visite guidée dans le centre-ville et le Vieux-Lille
https://www.lilletourism.com
– Visite de la Villa Cavrois joyau de l'Art Déco (située à Croix)
https://www.villa-cavrois.fr
– Où dîner à Lille ? Restaurant 49R dans le Vieux-Lille
https://49r-lille.com
– Où dormir à Lille ? Hôtel Oceania Les Augustins à Lille
https://www.oceaniahotels.com/oceania-les-augustins-lille
– Et pour préparer son séjour :
https://www.tourisme-en-hautsdefrance.com/

Visuels :

– Vassily Kandinsky, Frühlin (Printemps), 1905. Tempera sur papier collé sur carton ; 27,6 x 33,7 cm. Stadtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau Munchen Gabriele Munter Stiftung, 1957.

– Vassily Kandinsky, Mann mit kuh (Homme avec vache), 1912. Aquarelle et crayon sur papier ; 28 x 32 cm. Stadtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau Munchen Gabriele Munter Stiftung, 1957.

– Vassily Kandinsky, Gelb-Rot-Blau (Jaune-rouge-bleu), 1925. Huile sur toile ; 128 x 201,5 cm. Legs de M^me Nina Kandinsky en 1981. Collection Centre Pompidou, Paris. MNAM-CCI. © Centre Pompidou/Adam Rzepka/ Dist. GrandPalaisRMN.

– Vassily Kandinsky, Auf Spitzen (Sur les pointes), 1928. Huile sur toile ; 140 x 140 cm. Donation de M^me Nina Kandinsky en 1981. Collection Centre Pompidou, Paris. © Centre Pompidou, MNAM-CCI / Service de la documentation photographique du MNAM/ Dist. GrandPalaisRMN.

– Hugo Erfurth, Portrait de Kandinsky, 1933. Epreuve gélatinoargentique ; 30 x 23,9 cm. Legs de M^me Nina Kandinsky en 1981. Collection Centre Pompidou, Paris. MNAM-CCI.

– Vassily Kandinsky, Bleu de ciel, 1940. Huile sur toile ; 100 x 73 cm. Donation de M^me Nina Kandinsky en 1981. Collection Centre Pompidou, Paris. MNAM-CCI. © Centre Pompidou/Bertrand Prevost/ Dist. GrandPalaisRMN.

– Obsession. Nouvel accrochage de la collection
La réouverture du LaM en février 2026 après dix-huit mois de travaux de rénovation et de restructuration a offert à sa collection permanente un nouvel accrochage original baptisé « Obsession ». Dans une alternance de salles monographiques (Modigliani, Buffet…) et collectives (Cubisme, Désir…), ce nouvel accrochage, pensé comme une exposition temporaire, fait dialoguer les trois grands fonds du musée, moderne, contemporain et brut. « L'obsession y devient force motrice, élan de résistance ou geste de transgression », indique Sébastien Faucon, directeur du LaM. Le Cnap (Centre national des arts plastiques) complète ce parcours d'un dépôt d'œuvres d'artistes absents de la collection du musée métropolitain (Appriou, Bourgeois, Froment, Kudo, Rabuzin, Waldberg…). Au-delà des figures célèbres, on sera frappé par les étranges Barbus Müller, sculptures attribuées à Antoine Rabany (1844-1919), la saga dessinée des Vivian Girls d'Henry Darger (1892-1973), le monde fantastique d'André Bauchant (1873-1958) ou celui non moins étrange de Miodrag Djuric dit Dado (1933-2010)… Bref, un moment magique dans des espaces aérés et lumineux où s'ouvrent quelques perspectives sur le grand jardin des sculptures qui entoure le musée. Imprenable vue panoramique de ce jardin au premier étage du musée. JMM

Nous avons entendu l'hiver dernier « La musique des couleurs » de Vassily Kandinsky (1866-1944) à la Philharmonie de Paris. Comme pour cette exposition passée, le Centre Pompidou a ouvert son importante collection Kandinsky, dont le fonds d'atelier de l'artiste cédé en 1981 par sa veuve Nina, au LaM de Villeneuve d'Ascq pour une nouvelle rétrospective thématique originale d'un des pionniers de l'abstraction. « Kandinsky face aux images » montre et analyse le rôle prépondérant des images dans sa création et dans son enseignement. Le musée de la Métropole lilloise a aussi bénéficié de prêts du Lenbachhaus de Munich et de la Fondation Gabriele Münter et Johannes Eichner (Munich) ainsi que de prêteurs privés suisses et allemands.
Selon Hélène Trespeuch, commissaire associée dont les travaux universitaires sur le rapport de Kandinsky à l'image photographique ont alimenté l'exposition, « il s'agit de montrer qu'un artiste abstrait est, comme tout autre artiste, extrêmement curieux de l'univers visuel dans lequel il évolue et dont il nourrit son imaginaire, ses créations plastiques. » En effet, il nous est donné de pénétrer dans la mémoire et le laboratoire de Kandinsky, de suivre son passage progressif de la figuration à l'abstraction à travers le recueil et l'utilisation des images et des souvenirs photographiques accumulés au fil de ses voyages et de ses lectures de revues, magazines et journaux. Cela permet aussi d'admirer certains des plus grands chefs-d'œuvre du peintre : Tableau à la tache rouge, Jaune-rouge-bleu, Avec l'arc noir, Improvisation 3, Bleu de ciel…

Souvenirs & Inspiration

La première section, « Souvenirs », dévoile les liens originaux qui associent les photos, dessins d'esquisse et souvenirs recueillis par Kandinsky dans son enfance, ses voyages (Venise, Tunisie, Pays-Bas) et son séjour d'étude dans le monde paysan russe et les tableaux qu'il réalise alors, de facture principalement figurative. La deuxième section, « Reproduction », s'attache à montrer l'apport iconographique essentiel de Kandinsky à la réalisation du premier et unique « Almanach du Cavalier bleu », co-réalisé avec Franz Marc en 1912, au moment où se précise son langage abstrait. Abstraction qui se concrétise (section « Matérialisations ») à travers des influences spirituelles, voire « spiritistes », où Kandinsky cherche la représentation de la pensée et de l'invisible. De 1922 à 1933, Kandinsky est professeur au Bauhaus de Weimar où il constitue une vaste iconothèque pédagogique (reproductions d'œuvres d'art, vues aériennes, photos de machines, bâtiments, athlètes, coiffures, masques, animaux…) qui lui permet autant d'enseigner (la théorie de la couleur et le dessin analytique) que de poursuivre son œuvre personnelle (section « Légitimation »). La dernière section, « Inspiration », couvre la période de son exil en France entre 1933 et son décès en 1944. Le langage des formes et des couleurs abstraites de Kandinsky se teinte de touches biomorphiques qui là aussi ont imprégné l'artiste à la lecture entre autres de la revue Atlantis, sorte d'ancêtre de Geo, ou de l'encyclopédie La Culture du temps présent. Kandinsky semble opérer alors une synthèse de son art fécondée par toutes les références absorbées au long de sa vie, les images d'une très grande variété ayant occupé une place majeure.

Jean-Michel Masqué

Rivaliser avec la réalité. 60 ans de photoréalisme

cath — 2026-05-28T14:31:50Z

Du 28 février au 2 août 2026
Musée Frieder Burda,
Lichtentaler Allee, Baden-Baden, Allemagne
Du mardi au dimanche, 10h-18h
Ouvert tous les jours fériés
www.museum-frieder-burda.de

Visuels :

– Ralph Goings (1928-2016), Richmond Diner, 1983. Huile sur toile, 191,6 x 147,3 cm. Waddington Custot (photo EH)

– Ralph Goings (1928-2016), Still Life (Color Pink), 1982. Huile sur toile, 101,6 x 152,4 cm. Waddington Custot (photo EH)

– Don Eddy (né en 1944), Private parking III, 1971. Huile sur toile, 121,9 x 167,6 cm. Waddington Custot (photo EH)

– Pedro Campos (né en 1966), Macaroon Sensations, 2016. Huile sur toile. Private collection, PLUS ONE gallery (photo EH)

– Alexandra Averbach (née en 1981) Aurora, 2025, Huile sur toile, 122 x 97 cm, Plus One Gallery, London © Alexandra Averbach, courtesy Plus One Gallery, London, 2026, Photo : Plus One Gallery, London

– Johannes Müller-Franken (né en 1960), Ferchensee, 2010. Huile sur toile, 95 x 100 cm. Collection privée. Photo presse.

Le pinceau et la toile peuvent-ils rivaliser avec la lentille d'un appareil photo pour rendre la réalité ? Cette manière illusionniste de l'artiste qui donne à voir les objets les plus communs dans tous leurs détails est le thème de cette exposition d'environ 90 toiles contemporaines. À l'honneur donc, ce mouvement pictural renouant avec la peinture figurative et re-affirmant les capacités d'une peinture inspirée par la photographie, alors que l'on aurait pu la croire détrônée une bonne fois pour toutes par elle lorsqu'il s'agit de réalisme.

Le photoréalisme apparait dans les années 60 aux États-Unis en réaction à l'Expressionnisme abstrait. Les pionniers, tel Richard Estes, s'inspirent de photos, publicitaires ou non, reflétant la vie quotidienne et le consumérisme d'une Amérique alors en pleine prospérité. Leur travail est hautement technique, dépourvu d'émotion, et ne dénonce ni ne glorifie. En Europe, le photoréalisme s'implante dans les années 70, avec rapidement des expositions dans les institutions muséales internationales de renom. Et c'est bien ce que l'on admire ici : une maitrise technique assez exceptionnelle au service de thèmes pragmatiques et souvent banals.

On y retrouve une Amérique de tous les jours : motos, voitures, camions offrent au peintre la possibilité de rendre avec le chrome, le verre, l'acier, les reflets, la brillance de surfaces lisses (Don Eddy). Pour Ron Kleeman, artiste plus ouvert à la critique sociale, les véhicules sont dépeints défraichis ou accidentés. Ralph Goings lui, fait intrusion dans un « diner » (ce genre de restaurants rétro souvent dans d'anciens wagons, où l'on s'attable au comptoir sous la lumière impitoyable des néons). Loin de la sophistication des tables néerlandaises peintes au 17^e siècle, le néoréaliste offre à nos regards des salières, des bouteilles de ketchup, des tabourets de bar rutilants, en réorganisant les formes et les couleurs dans l'espace.
La ville et son architecture ne laissent pas les photoréalistes indifférents. Scènes d'intérieur (Ben Johnson, qui précise que ses images « ne doivent pas être des portraits d'un bâtiment mais ... un objet de méditation »), ou scènes d'extérieur, telle la skyline new-yorkaise de Raphaella Spence.

Et quel meilleur exemple de photoréalisme que ce portrait de Richard McLean, un photoréaliste californien de renom, capturé par un de ses pairs, Robert Bechtle, dans son patio ? Vu de loin, on croirait un tirage papier Kodak !
À lire les cartels de cette brillante (au sens propre et figuré) exposition, on découvre pourtant que chaque artiste nourrit une philosophie personnelle : l'œuvre comme sujet de méditation, l'observation pragmatique de la réalité, l'étude des jeux de lumière, voire un commentaire social discret. Chaque visiteur pourra y trouver son bonheur !

Elisabeth Hopkins

60 ans de photoréalisme

cath — 2026-05-28T12:34:00Z

Baden-Baden - Musée Frieder Burda
Jusqu'au 2 août 2026.
Le pinceau et la toile peuvent-ils rivaliser avec la lentille d'un appareil photo pour rendre la réalité ? Une exploration de l'un des mouvements les plus marquants de la peinture figurative d'après-guerre, apparu aux États-Unis à partir du milieu des années 1960 en 90 tableaux.

Whistler (1834-1903). Rétrospective à Londres

cath — 2026-05-26T13:12:17Z

Du 21 mai au 27 septembre 2026
Tate Britain
Millbank - London SW1P 4RG
Monday to Sunday 10.00–18.00
Tarif plein : £24
https://www.tate.org.uk/visit/tate-britain

Visuels :

– James McNeill Whistler, Nocturne : Blue and Gold - Old Battersea Bridge, c.1872–5. Tate

– James McNeill Whistler, Symphonie in White, N°2 : The little White Girl, 1864. Tate

– James McNeill Whistler, Arrangement in Grey and Black N°1, 1871. Musée d'Orsay, Paris.

– James McNeill Whistler, Wapping, 1860-1864. National Gallery of Art, Washington DC. John Hay Whitney Collection, 1982.

Peintre et graveur américain né dans le Massachusetts, James McNeill Whistler (1834-1903) a passé l'essentiel de sa carrière entre Paris et Londres, rejetant la sentimentalité et rompant avec les conventions de la société victorienne, s'intéresse à la vie moderne, comme lorsqu'il peint à Paris aux côtés de contemporains comme Edgar Degas. Si les impressionnistes sont les amis de cet artiste dandy cosmopolite en parfaite harmonie avec l'effervescence de cette Belle Époque, il ne l'est pas lui-même. Il peint des portraits en pied auquel il donne des noms portés par la musique (nocturne, arrangement ou harmonie), des paysages, avec une prédilection pour les effets d'eau et de ciel, en particulier sur la Tamise à Londres. Des vues éthérées à l'atmosphère rêveuse, tout en nuances subtiles, en couches si fluides qu'on discerne la trame de la toile.

Whistler agace autant qu'il fascine avec sa peinture à la subtile harmonie colorée, à sa grâce et à son mystère. Il sera même étrillé par le célèbre critique John Ruskin qui a qualifié ses Nocturnes de « pot de peinture jeté à la face du public ». Mais nombre d'artistes vont le pasticher, s'en inspirer, l'admirer, le réinterpréter.

En 2022, une petite exposition au musée d'Orsay ne rassemblait que 22 œuvres dont 7 peintures à l'huile (En savoir plus.) En 2024, le musée des beaux-arts de Rouen présentait une exposition inédite sur le « whistlérisme » proposant un éclairage sur les influences et les suiveurs de l'artiste (En savoir plus.) En 2026, la Tate lui offre une vraie rétrospective de près de 150 œuvres, réunissant les peintures mondialement célèbres de l'artiste aux côtés d'œuvres rarement vues, voire jamais vues. Elle comprend des portraits, dessins, gravures et dessins, depuis son adolescence et ses études réalisées à l'Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg et à l'Académie militaire des États-Unis à West Point, jusqu'aux énigmatiques autoportraits tardifs. Cela inclut ses premiers carnets, exposés publiquement pour la première fois.

Catherine Rigollet

La Tapisserie de Bayeux - Ed. Citadelle et Mazenod

cath — 2026-05-19T14:21:14Z

Xavier Barral i Altet et David Bates
Édition Citadelle et Mazenod - Livret
Parution 2020
Relié avec couverture illustrée
27,3 × 25 cm
256 pages et 235 illustrations couleurs
39€

– Il existe aussi sur La Tapisserie de Bayeux, par Xavier Baral i Altet et David Bates, un coffret avec un livre de 256 pp. et 130 ill, accompagné d'un dépliant sur 30 mètres de long, quasiment la moitié de la taille réelle de la broderie. Mais au tarif de 690 €. éd. Citadelles & Mazenod.

La reverra-t-on à Bayeux et dans quel état s'inquiètent de nombreux historiens et conservateurs. Après la fermeture du musée à Bayeux pour travaux de rénovation et le prêt historique de la célèbre « tapisserie » au British Museum qui doit l'exposer de septembre 2026 à juillet 2027, ce livre offre la possibilité de profiter un peu chez soi de cette exceptionnelle broderie -comme il est plus juste de l'appeler selon les spécialistes. Réalisée au XI^e siècle, redécouverte au XVIII^e, elle est inscrite au registre « Mémoire du Monde » de l'UNESCO, afin d'être protégée et recensée comme document d'intérêt universel.

Entièrement brodée à l'aiguille en fils de laine colorés, sur une toile de lin de près de 70 mètres de long et 50 centimètres de haut, elle relate la conquête de l'Angleterre par Guillaume le Conquérant, duc de Normandie, de 1053 à 1066. Elle aurait été commandée par l'évêque Odon, demi-frère de Guillaume, pour orner sa nouvelle cathédrale en 1077. Un extrait d'inventaire du trésor de la cathédrale de Bayeux, daté de 1476, atteste de la présence la Tapisserie de Bayeux dans la liste des objets. Mais le contexte de sa création reste encore énigmatique (comme l'hypothèse que ce travail vit le jour peu après 1066 dans un monastère féminin de Canterbury, dans le Kent), tout comme ses significations. Deux historiens spécialistes du Moyen Âge, le Français Xavier Barral i Altet et l'Anglais David Bates font le point sur les recherches récentes, et nous commentent à deux voix chacune des scènes, jusqu'à analyser le rôle des bordures. La Tapisserie comporte 58 scènes, dont 25 se déroulent en France et 33 en Angleterre. Dix scènes sont consacrées à la Bataille d'Hastings le 14 octobre 1066 où Guillaume a vaincu le roi anglo-saxon Harold Godwinson qui pourra à la fin de la journée d'une flèche dans l'oeil. On y dénombre pas moins de 626 personnages, 37 édifices dont le Mont-Saint-Michel, 41 navires, 202 chevaux et mulets...

Au-delà d'être un récit de conquête -et peut-être de propagande- déroulé comme une véritable bande-dessinée-brodée (on va sans doute choquer les puristes avec cet anachronisme mais les enfants sont les premiers à y penser en la voyant et la regarde avec plaisir et intérêt), la tapisserie de Bayeux livre de précieux renseignements sur la vie au XI^e siècle : l'art de la broderie, la façon de s'habiller, de se nourrir, d'élever des animaux domestiques, de naviguer, de s'armer, de guerroyer…et révèle une part de l'imaginaire collectif du Moyen Âge. Un fabuleux récit en images.

La Marine et les peintres. Art et pouvoir

cath — 2026-05-16T15:17:39Z

Paris - Musée de La Marine
Jusqu'au 2 août 2026.
Dans le cadre de l'anniversaire des 400 ans de la Marine française en 2026, le musée national de la Marine raconte cette histoire faite de pouvoir, de décisions politiques, d'évolutions techniques, de prestige, de guerres, de drames et de gloire en 150 œuvres exceptionnelles de plus de 90 artistes qui du XVII^e au XX^e siècle l'ont documentée.

La Marine et les peintres. Quatre siècles d'art et de pouvoir

cath — 2026-05-16T14:59:52Z

Du 13 mai au 2 août 2026
Musée national de la marine
Place du Trocadéro 75016 Paris
Tous les jours, 11h-19h
Fermé le mardi
Tarif plein : 15€
www.musee-marine.fr

Visuels :

– Claude-Joseph Vernet (1714-1789), Marine, paysage et soleil couchant, 1763. Huile sur toile. Château de Fontainebleau ? Dépôt du Louvre. Photo © L'Agora des Arts.

– Auguste-Louis de Rossel (1736-1804), Combat de Gondelour, le 20 juin 1783. 1791. Huile sur toile ; Paris, musée national de la Marine. Photo © L'Agora des Arts.

– Horace Vernet (1789-1863), Le Choléra à bord de la Melpomène, 1834. Huile sur toile. Marseille, musée des beaux-arts. Photo © L'Agora des Arts.

– Félix Ziem (1821-1911), Lancement d'un navire croiseur cuirassé à Toulon. Second quart du XIX^e siècle – début du XX^e. Huile sur bois. Paris, musée national de la Marine. Photo © L'Agora des Arts.

– Léon Couturier (1842-1935), Escadre à la mer, 1910. Huile sur toile. Paris, musée national de la Marine. Photo © L'Agora des Arts.

– Albert Marquet (1875-1947), Le Sergent de la Coloniale, vers 1906. Huile sur toile. Bordeaux, musée des beaux-arts. Photo © L'Agora des Arts.

– Charles Lapicque (1898-1988), Manœuvre au large de Brest, 1959. Huile sur toile. Paris, musée de la Marine. Photo © L'Agora des Arts.

Dans le cadre de l'anniversaire des 400 ans de la Marine française en 2026, le musée national de la Marine raconte cette histoire faite de pouvoir, de décisions politiques, d'évolutions techniques, de prestige, de guerres, de drames et de gloire en 150 œuvres exceptionnelles, souvent de très grands formats immersifs et plus de 90 artistes qui, du XVII^e au XX^e siècle, l'ont documentée. Une alliance entre la Marine et des peintres qui se poursuit encore aujourd'hui.

Chronologique, le parcours de l'exposition ouvre dans les années 1620. Avant cette date, il n'existe pas de corps de la marine de guerre. C'est le cardinal de Richelieu, qui est chargé par Louis XIII d'unifier et de centraliser le pouvoir sur mer. Un pouvoir que les peintres vont mettre en scène, sollicités par un roi sensible aux arts et qui ne s'attache à aucun peintre exclusivement, dispensant sa protection à plusieurs artistes : Philippe de Champaigne, qui le représente dans un immense portrait en pied en roi guerrier, mais aussi Claude Vignon, Nicolas Poussin, Simon Vouet et Georges de la Tour. L'un des plus anciens tableaux du parcours représente une Vue panoramique du siège de la Rochelle en 1628 par Adrien van der Cabel (1630-1705). L'essor se poursuit sous Louis XIV qui sous le ministère de Colbert ordonne la construction d'une puissante marine de guerre. Sa force est immortalisée par Auguste-Louis de Rossel (1736-1804) dans Combat de Gondelour le 20 juin 1783, tandis que Joseph Vernet (1714-1789) rend hommage à la magnificence de la Marine royale dans son lumineux tableau Marine, effet de soleil couchant (1753). L'esthétisation du fait naval est à son apogée. Sous la Révolution française puis la Restauration, les héritiers de Vernet vont lui emboiter le pas. Le romantisme influence des mises en scènes théâtrales de faits historiques, comme le font : Théodore Géricault (1791-1824) s'emparant du Naufrage de la Méduse en 1816, François-Auguste Biard (1799-1882) peignant (en 1843) l' Abordage d'un vaisseau hollandais par Jean Bart le 29 juin 1694. Ou Horace Vernet (1789-1863), petit-fils de Joseph, restituant à la demande de l'intendance sanitaire de Marseille l'épisode du Choléra à bord de la Melpomène (1833) dans une scène tragique avec un sens narratif aigu.

De la peinture d'histoire navale à la peinture militaire

En 1852, l'arrivée au pouvoir de Napoléon III favorise les innovations techniques et scientifiques en matière navale. Les commandes de tableaux les valorisent, tout comme elles entendent mettre en valeur l'expansion coloniale (voir le Sergent de la coloniale peint par Albert Marquet), les parades d'escadres, les fêtes marines et les marins. On ne parle plus de peinture d'histoire navale, mais de peinture militaire et la révolution impressionniste modifie le style des tableaux. Félix Ziem (1821-1911) offre un portrait de croiseur cuirassé rougeoyant sur la mer d'un bleu inimitable que lui enviait Van Gogh. Léon Couturier (1842-1935) montre avec réalisme la physionomie des gens de mer et des scènes de bord. Dans une immense toile (265 x 402 cm), Paul Jobert (1863-1942) représente un Lâcher de pigeons militaires à bord d'un torpilleur, dans la Manche (1895). Du photojournalisme avant l'heure par son quasi-hyperréalisme. D'ailleurs les peintres du département de la Marine peuvent être embarqués sur les bâtiments de la flotte nationale, y calant leur chevalet, comme le fit Paul Signac (1863-1935), André Hambourg (1909-1999) ou Charles Lapicque. L'audace chromatique en rose et bleu de ses Manœuvres au large de Brest (1959), proche d'une abstraction lyrique détonante au milieu de tant de sérieux militaire, fut critiquée, et le fera quitter le corps des Peintres de la Marine en 1966.

Le 46^e Salon de la Marine

L'histoire entre la Marine et des peintres continue de s'écrire aujourd'hui avec les peintres officiels de la Marine (POM). Un titre existant depuis 1830, accordé par le ministre des Armées et des anciens combattants, sur proposition du jury du Salon de la Marine, leur permettant d'accoler la symbolique petite ancre à la signature de leurs œuvres ou à leur nom d'artiste. On en compte aujourd'hui trente-huit (agréés ou titulaires) et trente-trois d'entre eux présentent une œuvre au 46^e Salon de la Marine qui met à l'honneur ces artistes (hommes et femmes de plus en plus nombreuses) dont le travail est consacré à l'univers naval et maritime : peinture, dessin, gravure, sculpture, photographie, art numérique et vidéo. Le Salon expose également le travail de quarante-trois autres artistes qui postulent au titre très recherché de POM. À découvrir dans le prolongement de l'exposition La Marine et les peintres.

Catherine Rigollet